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2 julio 2013 2 02 /07 /julio /2013 07:46

1-copia-5.jpg

 

VV. AA.
Papel albuminado, gelatina de plata
Precio de remate
118.316 €

Precio de adquisición 141.979,20 €


Asignación/Depósito
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Modo de adquisición
Ejercicio de derecho de tanteo
(Adquisición en subastas públicas en España)

 

Conjunto de 58 fotografías de distintos autores de los siglos XIX y XX, entre los que están J. Laurent
& Cía, Clifford, Joaquím Pla janini, Vicente Peydró, Emili Godes I Hurtado, Pere Catalá Pic,
Gabriel Casas i Galobardes, Joan Andreu Puig Ferrán, Agustí Centelles i Ossó, Antoni Sirera,
Joaquín Gomis, Francesc Catalá Roca, Oriol Maspons, Ramón Masats Tartera, Xavier Miserachs,
Joan Colom o Nicolás Muller Grossmann.
Este grupo de fotografías del último tercio del siglo XIX destaca por su gran variedad: vistas
de distintas ciudades españolas, desde la Puerta del Sol o la Plaza de toros (Madrid), hasta la
Mezquita de Córdoba o el Puerto de Barcelona de Laurent; escenas cotidianas de Centelles o
Puig Ferrán durante la Guerra Civil; fotografías publicitarias de la década de 1930; imágenes
neorrealistas de Emili Godes muy cercanas a las vanguardias de los años 1920 y 1930, o las
vistas cotidianas de la España de la década de 1950 y 1960 de Francesc Català Roca, Oriol
Maspons, Ramón Masats o Xavier Miserachs.

 

 

ADQUISICIONES
DE BIENES
CULTURALES, 2008. Ministerio Educación, Cultur y Deportes.

 

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2 julio 2013 2 02 /07 /julio /2013 07:41

 

 

1-copia-4.jpg

 

 

 

Alighiero Boetti (Turín, 1940-Roma, 1994)
1979
Acrílico y bolígrafos de colores sobre papel en lienzo
Altura: 101 cm; anchura: 70 cm (cada uno)
Altura: 101 cm; anchura: 280 cm (total)


Precio de adquisición 290.000 €

Asignación/Depósito
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)
Adquirido con cargo al 1% Cultural

 

 

Alighiero Boetti fue uno de las artistas importantes de la segunda mitad del siglo XX, y se le ha
definido como heredero de Duchamp y antecesor de Mauricio Cattelan.
En su carrera destaca el trabajo con materiales inusuales –que inicia de 1963 a 1965- como
el yeso, masonita, accesorios ligeros y otros materiales industriales. En 1967 participa en una
exposición con otros artistas italianos que se denominan bajo el nombre de Arte Povera.
Boetti continuó trabajando con una amplia gama de materiales, herramientas, y técnicas,
incluyendo las plumas de la bola (biro) e incluso el sistema postal. Algunas de las estrategias
artísticas de Boetti se consideran típicas del Arte Povera, como el uso de materiales y técnicas
modestas. También tomó interés por la relación entre la ocasión y orden, por varios sistemas
de la clasificación (rejillas, mapas, etc.), y las tradiciones y prácticas culturales de Afganistán
y de Paquistán.

 

 

ADQUISICIONES
DE BIENES
CULTURALES, 2008. Ministerio Educación, Cultura y Deporte

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2 julio 2013 2 02 /07 /julio /2013 07:37

1-copia-3 

 

Jean Tinguely (Friburgo, Suiza, 1925-Berna, Suiza, 1991)
1954
Madera, poleas, correa de goma, varilla metálica y motor eléctrico (110 V)
Altura: 61 cm; anchura: 49 cm; profundidad: 13 cm

Precio de adquisición: 490.000 €

Asignación/Depósito
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)
Adquirido con cargo al 1% Cultural

 

La serie «Mèta-Malevitch» es la primera serie realizada por Tinguely dedicada a otros artistas,
como las denominadas «Mèta-Herbin» (1954) o «Mèta-Kandinsky» (1955). Jean Tinguely en estos
años es un artista realmente pionero. Los relieves móviles de esta serie fueron parte de la
primera exposición que realizó en mayo de 1954 en la Galerie Arnaud de París, la única dedicada
a la vanguardia en París, junto a la de Dense René. Las formas geométricas de estas obras
se movían mediante un pequeño motor ligado a una serie de ruedas o poleas de madera, de
modo que la posición inicial de las tiras de metal, sólo se volvía a dar a cabo de un espacio
temporal bastante amplio.
La obra pertenece a la primera serie de relieves de Tinguely. Un tipo de obra que el artista
decidió denominar Mèta-mecaniques (no móviles, ni esculturas mecánicas) precisamente por
analogía con la palabra «métaphysique». Tendía hacia una multiplicidad de significados sobre
un arte, aplicado a otro arte.

 

ADQUISICIONES
DE BIENES
CULTURALES, 2008.   Ministerio de Educación, Cultura y Deporte

 

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 19:24

 

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Lygia Pape (Nova Friburgo, Brasil, 1927-Río de Janeiro, Brasil, 2004)
1957
Tinta china sobre papel chinés
Altura: 92 cm; anchura: 61 cm (cada uno)
Precio de adquisición
125.280 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)
Adquirido con cargo al 1% Cultural

 

Lygia Pape (1929-2004) es una de las artistas más representativas del movimiento neoconcreto.
Inicia su carrera en 1952, pero será a partir de 1957 cuando se acerca al arte neoconcreto,
tomando posición frente al arte no figurativo.
Este corriente se desarrolló en Brasil gracias a artistas como Lygia Clak, Hélio Oiticica o Lygia
Pape que firmaron el manifiesto de Arte Neconcreto en 1959.
Los artistas neoconcretos se sirven del geometrismo, entendiendo que sólo así puede asumir
la expresión de cualquier realidad, algo que ya trataron Mondrian, Malevicht, Pevsner o Gabo.
Expresan simples ideas metafísicas a través de formas geométricas, invitando siempre al espectador
a ser parte activa de la producción. Por todo, su modo de actuar se aleja de los modos
e ismos de la cultura anglosajona.
A lo largo de su carrera y dentro siempre de este movimiento neoconcreto, Lygia Pape ha
destacado por su refinamiento, su gran capacidad de investigación y ha utilizado cualquier
tipo de soporte (pintura, dibujo, escultura, cine experimental, coreografías de ballet o diseño
de libros) como medio de expresión.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 19:20

 

 

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Le Pain
Man Ray (Filadelfia, Estados Unidos, 1890-París, 1976)
1926
Óleo sobre lienzo
Firmado y fechado en ángulo inferior derecho: «Man Ray 1926»
Altura: 45,8 cm; anchura: 38 cm
Precio de adquisición
87.000 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)
Adquirido con cargo al 1% Cultural

 

Emmanuel Radnitsky, conocido como Man Ray, inició su carrera como dibujante publicitario
en Nueva York en la década de 1910. Pintor, creador de objetos surrealistas y fotógrafo, empezó
a utilizar la fotografía para reproducir sus propias pinturas datadas en 1907.
En 1917 en Nueva York conoce a Marcel Duchamp y a Francis Picabia con los que impulsa el
movimiento Dadá. En 1921 se traslada a París, siendo presentado por Duchamp a Breton y al
círculo surrealista (Aragon, Soupault y Éluard). A partir de ese momento se vincula a los movimientos
dadaístas y surrealistas, aportando pinturas, assemblage-objects y fotografías. Como
medio de supervivencia, abre un estudio de fotografía, en el que trabaja como fotógrafo de
moda y reproduce las pinturas de sus amigos, además de retratarlos. En su estudio de fotografía
pone en práctica nuevas técnicas fotográficas, como las rayografías o rayógrafos.

 

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 10:36

 

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Maestro de Becerril (Palencia, activo en torno a 1520)
Ca. 1525
Óleo sobre tabla
Altura: 90 cm; anchura: 90 cm (cada una)
Precio de adquisición
1.000.000 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional del Prado
Modo de adquisición
Oferta de venta irrevocable

 

El Maestro de Becerril fue un pintor español representante del primer renacimiento en Castilla.
No ha sido posible hasta el momento identificar el nombre de este artífice, el más aventajado
de los discípulos de Juan de Flandes, influido también por Pedro Berruguete. Se utiliza para
designarle el nombre del lugar para el que hizo una de sus obras más relevantes, el retablo de
la iglesia de San Pelayo del pueblo palentino de Becerril de Campos, comprado por la catedral
de Málaga para instalarlo en una de sus capillas. A partir del retablo de Becerril se han adscrito
otras obras a este maestro, entre ellas los dos retablos de Ventosa de la Cuesta (Valladolid) o
David de la antigua colección Adanero.
Además de la deuda con Juan de Flandes y con Berruguete, el Maestro de Becerril se muestra
receptivo a las influencias italianas llegadas a la Península Ibérica -a las que accede generalmente
a través de grabados- y gusta representar en sus pinturas, arquitectura renacentista en la
que, en ocasiones, se incorporan esculturas o relieves a los que el pintor otorga un significado
simbólico. Digno de reseñar es también el interés que siente por el paisaje, en deuda con Juan
de Flandes.
En estos cuatro profetas están presentes las características del Maestro de Becerril: su inspiración
en los modelos de las figuras de Juan de Flandes, su interés por la arquitectura renacentista,
remisión de edificios en ruinas, las formas de las rocas que evocan al estilo de Mantenga,
las piedras preciosas alusivas al paraíso esparcidas en el suelo o el lacre con que se fija la
filacteria con los nombres de los profetas.
Hasta ahora, la única obra del Maestro de Becerril en el Prado es una «Santa Bárbara» que
ingresó en la pinacoteca en 1915 como parte del legado de Pablo Bosch.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 08:06

 

 

 


Vista sobre el Sena
Eliseo Meifrén (Barcelona, 1858-1940)
Ca. 1890
Óleo sobre lienzo
Altura: 50 cm; anchura: 96 cm
Precio de adquisición 120.000 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional del Prado
Modo de adquisición
Oferta de venta irrevocable

 

Eliseo Meifrén fue uno de los más prolíficos y representativos paisajistas catalanes de la generación
de la Restauración.
Esta vista del Sena muestra su predilección, desde sus trabajos de finales de la década del
1880 y a lo largo de la de 1890, por el formato muy apaisado, con el horizonte algo más bajo
que la mitad de la altura el lienzo, en el que la franja inferior se divide, según es frecuente en
su obra de esos años, en dos triángulos. Uno de ellos lo ocupa aquí el río, cuyo sentido de
la corriente hacia el fondo acentúa la estela de las embarcaciones, así como la disposición de
la alta vela de una de ellas. De este modo, se anima el estatismo inherente a la composición
muy apaisada, y aún más por la disposición oblicua de un camino paralelo al río en el que
justamente se separan las áreas en sombra y al sol, y por la inclinación de las matas de la ribera
y las copas de los árboles hacia la izquierda, en el sentido del viento. A su vez, las nubes, de
marcado volumen, resaltan el movimiento hacia el fondo del cuadro.
Frecuente en el paisajismo francés derivado de Barbizon el horizonte se cierra por masas de
árboles cuya disminución de tamaño señala la lejanía del último término. Se relaciona con el
paisaje naturalista francés el carácter directo de la observación y el colorido en grises del río.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

 

 

 

 

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 08:04

 

 

 

 

Agustín Esteve Marqués (Valencia, 1753-después de 1820)
Óleo sobre lienzo
Altura: 200 cm; anchura: 150 cm
Precio de remate 300.000 €
Precio de adquisición 370.760 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional del Prado
Modo de adquisición
Ejercicio de derecho de tanteo
(Adquisición en subastas públicas en España)

 

En este retrato de grupo aparece la Duquesa de Osuna junto a una dama de la Orden de Damas
Nobles de la Reina María Luisa y una niña.
La composición del cuadro es interesante al valorarse la imagen de la mujer de alta alcurnia
del siglo XVIII, como modelo que unía sus cualidades maternales con los intereses sociales y
culturales de su posición y su tiempo. Esteve ha ideado una escena que cumple plenamente
con los ideales ilustrados para la mujer. Están dispuestas, además, casi a la manera de una representación
clásica de las tres edades de la vida: la duquesa es ya una mujer madura, la otra,
una joven en la plenitud de la vida y la tercera, una niña, que representa el futuro de elegancia
distinguida y premios a la virtud que ya han recorrido sus dos compañeras de mayor edad.
La moda que visten las mujeres sitúa el cuadro en los años centrales del decenio de 1790. El
elegante mobiliario y la cuna del fondo son de una sencillez y pureza singulares y revela la
individualidad de Esteve como retratista.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

 

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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 08:01

 

 

Francisco Collantes (Madrid, ca. 1599-Madrid, 1656)
Ca. 1630-1650
Óleo sobre lienzo
Altura: 72,5 cm; anchura: 105,7 cm
Precio de adquisición 175.000 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional del Prado
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)

 

Francisco Collantes fue uno de los primeros artistas españoles especializados en pintura de
paisaje, en los que con mucha frecuencia incluye pequeñas escenas narrativas.
Domina la composición un gran paisaje de invierno, inidentificable tanto por lo inerte de la
vegetación como por la nieve que cubre montes y valles y que sigue cayendo. La acción en sí
misma también orienta sobre la fecha, pues lo que representa es a los pastores que acuden a
adorar al Niño Jesús en los días cercanos al solsticio de invierno. Son hombres y mujeres que
llevan regalos en cestas y sacos, y algunos tienen instrumentos musicales populares, como un
tambor o una guitarra; vistiendo con una notable variedad de trajes.
La atribución se basa en las numerosas afinidades que existen con otras obras atribuidas a
Collantes. Dentro del catálogo de paisajes de Collantes, el interés de esta obra radica en que se
trata de la única escena invernal conocida, y en la atención que se presta a la narración, cuya
descripción posee un destacado valor documental, pues el artista, para dar mayor verosimilitud
a la escena, parece haber recurrido a tipos basados en la observación del natural.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

 

 


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24 junio 2013 1 24 /06 /junio /2013 07:47

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

 

Antonio María Esquivel (Sevilla, 1806-Madrid, 1857)
Ca. 1842-1846
Óleo sobre lienzo
Altura: 72,5 cm; anchura: 56 cm
Precio de adquisición 60.000 €
Asignación/Depósito
Museo Nacional del Prado
Modo de adquisición
Oferta de venta directa (Compraventa)

 

Antonio María Esquivel fue uno de los pintores del Romanticismo español más vinculado al
movimiento literario, como demuestra su retrato en grupo «Los poetas contemporáneos. Una
lectura de Zorrilla en el estudio del pintor».
En este retrato Espronceda aparece de busto, cabeza ligeramente ladeada, con perilla y bigote.
Viste levita de color castaño con cuello forrado de terciopelo y corbata de seda negra adornada
por un alfiler de oro.
Esquivel en su interpretación de Espronceda, atemperó algunos rasgos como la hendidura de
la frente, pero no dejó de mostrar otros como la desviación de la nariz. Además interpretó su
cabellera de un modo menos crespo y rizado, alisándola. La pincelada de la pechera blanca,
en trazos paralelos sueltos, contrasta con la factura lisa del rostro, sólo animada por los brillos
de los ojos, que debe de responder a una interpretación póstuma.

 

Adquisiciones de Bienes Culturales, 2008

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